Étiquette : Festival Fantasia 2012

New Kids Turbo des réalisateurs Néélandais Steffen Haars et Flip Van der Kuil a fait rire aux larmes le public réuni hier soir à l’université Concordia. Présenté dans la cadre du Festival Fantasia qui entame son dernier weekend avant sa clôture le 9 août prochain, le long-métrage qui ne semble pas se garder aucun sujet sacré est une suite de situations cocasses de mauvais goût dans lesquelles un groupe de jeunes hommes en marge et complètement idiots se retrouve confronté à l’autorité de leur pays.

Le tout débute lorsque le groupe composé des cinq hommes perdent simultanément leurs emplois. Amis de longue date, ils se retrouvent à habiter sous le même toit. Coupé de leur chèque d’assurance emploi et n’entretenant aucun intérêt outre la musique techno et les croquettes frits,  Richard Batsbak, Gerrie van Boven, Rikkert van Boven, Robbie Schuurmans et Barrie Butsers décident qu’ils ne payeront plus jamais rien de leur vie. Après avoir causé le chaos dans leur petite ville néerlandaise, la force de police locale est poussée à intervenir, mais sans succès. Leurs actions publicisées par les médias font que la situation escalade vite alors que le reste du pays tente d’imiter ces dégénérés ce qui ne donne pas d’autres choix au gouvernement qu’ordonner leur élimination.

Il serait difficile d’énumérer la quantité considérable de blagues qui compose le long-métrage. Se suivant l’un après les autres, ces « sketches » qui ont très peu de lien avec le développement de l’histoire sont tous aussi dégénérés les uns que les autres. Rien ne semble être à l’abri de l’humour décapant, et parfois très «pipi caca», de Steffen Haars et Flip Van der Kuil qui s’en donne à cœur joie d’érafler au passage autant la police, le gouvernement que les handicapés mentaux. Rien n’est tabou et rien ne semble hors de portée du ridicule. Un humour gras et adolescent qui aurait par moment bénéficié de faire dans la subtilité, si ce n’est que pour quelques instants.

Malgré ces séquences où l’humour est plus que houleux, le récit persiste à nous surprendre grâce à ses nombreux retournements de situation et sa mise en scène délirante et extrêmement imaginative. Il faut également souligner le caractère extrêmement violent du long-métrage qui ne se gêne pas de montrer des têtes qui explosent, des corps écrasés par différents véhicules et des membres sectionnés. Le public rassemblé à la salle Théâtre Hall de Concordia ne semble pas s’en être formalisé, bien au contraire. New Kids Turbo est une œuvre pour laquelle on rit, parfois même d’un rire jaune, mais sans retenue. Laissez votre cerveau à la porte.

La suite, New Kids Nitro, sera présentée le 6 et 8 août prochains à 21 h 55 à la salle Théâtre Hall de l’université Concordia.

– Benoit Mercier

Game of Werewolves, à ne pas confondre avec la série de HBO, Game of Thrones, écrit et réalisé par Juan Martínez Moreno est une comédie de situation qui met en scène la plus inusitée des créatures pour un film humoristique, le loup-garou.

C’est avec une approche réaliste et posée qui ne présage aucunement l’implication de forces paranormales que Moreno approche initialement son long-métrage qu’il présente au départ comme un récit de « retour aux sources » et de découverte de soi pour ensuite plonger la tête première dans une succession folle d’attaques de montres, de scènes de combats et de dialogues hilarants.

Tomas, un écrivain qui a de la difficulté à trouver le succès, retourne dans son village natal qu’il n’a pas visité depuis 15 afin de renouer avec ses racines et trouver l’inspiration. Sur place, il retrouvera un milieu figé dans le temps où les villageois semblent sortis tout droit d’une époque reculée. Accueillants au départ, ceux-ci ne perdront pas de temps avant de se retourner contre Tomas. Assommé et ensuite ligoté, il sera offert au loup-garou de la petite municipalité rurale afin de briser la malédiction de la bête qui sème la terreur sur la région depuis près de 100 ans. Aider de Calisto, son ami d’enfance et résident du village, et de Mario, son agent littéraire houleux, le groupe transposera malgré eux la malédiction vers les habitants qui seront transformés à leur tour en des créatures mi-loup et mi-homme. Tomas et ses compagnons ainsi que son chien Vito devront trouver un moyen de quitter la localité en vie et si possible avec tous leurs membres.

Quoique lent au début, près de 30 minutes s’écoulent avant que l’on voie le premier loup-garou, Game of Werewolves est hautement efficace lors de ses différentes scènes de poursuite dans lesquelles nos «héros» se retrouvent confronter, souvent impuissants, devant une impressionnante horde de loups-garous sanguinaires assoiffés de sang et de chair humaine. Des loups-garous qui sont par ailleurs franchement épeurants. Bien qu’il s’agisse d’une comédie assumée, leur simple présence à l’écran suffit pour donner des frissons aux spectateurs qui ne cessent de faire le saut lorsqu’ils arrivent pour confronter Tomas et son groupe. La transformation des hommes en créatures est surprenante, efficace ainsi que lugubre et n’a pas nécessité l’utilisation d’effets spéciaux. Cette attention particulière aux maquillages contribue certainement à donner à la production des airs de bons vieux films d’horreur classique. Jamais l’on ne questionne ce qui nous est présenté, Moreno évite de tomber dans le piège de la fascination pour les effets qu’il réussit à utiliser qu’aux moments opportuns.

Le réalisateur décide plutôt de braquer sa caméra vers ses acteurs qui ont une chimie indéniable à l’écran. Leur jeu juste passe de l’épouvante à la taquinerie sans problème. D’un débit rapide et souvent dans l’engueulade, leurs échanges sont bourrés de blagues qui font autant rire que les situations dans lesquelles ils réussissent à se piéger contre leur gré. On vient à craindre pour la sécurité de ces personnages qui comme certains protagonistes du film risquent à tout moment de mordre la poussière. Il faut également souligner la performance du petit chien Vito qui vole souvent la vedette et qui sauve la peau des personnages.

Des longueurs réussissent malgré tout à s’intégrer entre les scènes des différentes séquences d’actions qui ont pour but de faire avancer le récit en nous donnant davantage d’informations les origines de la malédiction et de son lien avec Tomas et sa famille. Mais grâce à l’intelligence de son humour, le long-métrage arrive à passer par dessus ces moments qui après tout permettent d’équilibrer une œuvre qui demeure cocasse et distrayante du début à la fin.

– Benoit Mercier

Contrairement à sa prémisse qui pourrait faire croire à un petit film d’horreur « indie », «Toad Road» du réalisateur Jason Banker a plutôt emprunté l’avenue de l’expérimentation afin de présenter à l’écran la descente aux enfers, réel et figurée, d’un groupe d’adolescents insouciants aux prises avec de sérieux problèmes de consommation de drogues de toutes sortes. Un récit troublant et déstabilisant qui surprend par son traitement esthétique « cru » et l’authenticité de ses interprètes qui ne sont pas des acteurs de formation, mais bel et bien des amis dans la vie de tous les jours.

Avec une caméra qui n’est pas sans rappeler celle d’un documentaire, Jason Banker et avant tout un documentariste, l’histoire de Toad Road nous est d’abord divulguée au travers de scènes de party et de prises de drogues dures. Les membres du groupe boivent, se défoncent avec l’aide de différentes substances, se tiraillent jusqu’à se brûler mutuellement le poil des parties génitales. Rien ne semble pouvoir les calmer ou les apaiser pour simplement un instant ces ados qui enchaînent un vice après l’autre.

Sara, une jeune femme de la ville, qui a récemment emménagé à York pour s’éloigner de ses parents, s’intègre rapidement à la bande qui l’initie à la consommation de narcotiques et d’hallucinogènes. Après un « Bad Trip » engendré par des champignons, la jeune femme, qui cherche par ailleurs sa place dans le Monde, tente de tirer du sens de cette expérience qu’elle qualifie de mystique. Ses recherches la poussent à vouloir emprunter le sentier de «Toad Road », un célèbre chemin tiré d’une légende urbaine locale qui selon ce que l’on raconte mènerait tout droit en enfer. Elle entrainera dans sa quête James, son ami et amant. Une fois sur le sentier, le couple est séparé. Seul James en ressortira des mois plus tard. Un phénomène étrange qui l’entrainera malgré lui dans son propre calvaire.

Comme ses acteurs, « Toad Road » est franc et direct. Il ne passe pas par une panoplie d’artifices pour instaurer chez le spectateur un sentiment de véracité ou d’inquiétude. Quoique déstabilisant un peu au départ, le rythme est lent et prend le temps de nous présenter ses personnages et leur monde. Un milieu composé de désordres et d’excès duquel Banker a malheureusement de la difficulté par moment à laisser de côté, mais qui a l’avantage de faire baigner le film dans un sentiment d’authenticité. L’histoire n’en est également pas moins intéressante, même si l’aspect paranormal du récit entre en scène que beaucoup plus tard. On pourrait également argumenter que « chemin de croix » que représente Toad Road est déjà emprunté dès la première scène du film puisque qu’une dilatation du temps qui affecte James, et par le fait même le public, entre en scène dans la dernière partie du long-métrage. Un acte lugubre est psychédélique qui amène à questionner notre personnage principal, ces choix et ce qui nous est présenté à l’écran.

Une bonne partie du dialogue des acteurs est improvisée par ceux-ci. Selon les dires de Jason Banker, il aurait livré à ses interprètes une simple structure à respecter pour chaque scène. Banker a également avoué qu’il lui a fallu un certain temps avant de décider qui seraient les personnages principaux sélectionnés parmi le groupe d’amis et comment l’histoire du long-métrage serait traitée. Des aspects nuisent un peu au film qu’on a l’impression de piétiner à certains endroits et qui se conclut soudainement faute d’un plan de travail exhaustif.

Le réalisateur réussit tout de même son pari en livrant un récit prenant et étrange que l’on s’apprécie davantage lorsque l’on apprend qu’il est le fruit d’une cinématographie expérimentale. À écouter à jeun les lumières allumées et en bonne compagnie.

– Benoit Mercier

En 1974, Ronald DeFeo assassina sa famille entière dans des circonstances qui demeurent à ce jour étranges. Un an plus tard, une nouvelle famille emménage dans la demeure du 112 avenue Ocean dans la petite ville d’Amityville dans l’état de New York.

Les Lutz résident 28 jours dans la maison avant de la quitter clamant s’être fait attaquer par des forces surnaturelles. S’en suit un cirque médiatique un livre et une série de films d’épouvantes qui ont enflammé la curiosité de milliers de personnes à travers le monde.

George et Kathy Lutz se sont toujours défendus de la véracité de leurs dires. Aujourd’hui, pour la première fois en 35 ans, Daniel Lutz, qui n’était qu’âgé de 10 ans à l’époque lorsque sont survenus les évènements, raconte ce qu’il a vécu dans la tristement célèbre maison d’Amityville, ce que cette expérience a eu comme impact sur lui et les cicatrices qu’elle a laissées sur sa vie.

L’un des documentaires les plus puissants dont j’ai eu la chance de visionner dans les dernières années « My Amityville Horror » traite sans juger et sans sensationnalisme d’un sujet qui est resté chaud dans l’inconscient collectif toutes ces années. Le film est un document unique, puissant qui terrifiera, mais pas pour les raisons que vous vous imaginez.

J’ai eu la chance de rencontre le réalisateur du film Eric Walter et la productrice Andrea Adams. Lors de notre entretien, nous avons discuté du contexte de production du long-métrage, de Daniel Lutz et de phénomènes paranormaux en général. Voici dans mon célèbre accent anglais notre discussion.

My Amityville Horror sera présenté une fois de plus dans le cadre du festival Fantasia le 27 juillet prochain.

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– Benoit Mercier

Dead Sushi du réalisateur nippon Noboru Iguchi est exactement le genre de longs-métrages éclatés et complètement excentriques qui ont su se faire une place spécial au cœur des amateurs du festival Fantasia au cours des années. Ce film riche en effets spéciaux parvient, comme son nom titre l’indique, à se moquer de l’un des arts culinaires les plus respectés du pays du soleil levant en le combinant au genre de zombie si populaire en ce moment autant à la télévision, que dans les jeux vidéo et dans les bandes dessinées. Il en résulte un récit farfelu et par moments déroutant qui ne dérougit pas de début à la fin.

Keiko (Rina Takeda) est apprentie cuisinière auprès de son père, un homme passé maître dans la confection de ce plat composé de poissons crus. Extrêmement exigeant envers sa fille qu’il entraine parallèlement aux arts martiaux, Keiko quitte le foyer familial après une suite d’échecs. Elle s’isole dans la campagne nippone où elle trouve du travail auprès d’un couple entièrement dédié au succès de leur entreprise, un auberge et spa dont la réputation pour la qualité de leur sushi est soi-disant inégalée.

Tout tourne au vinaigre lorsqu’un groupe d’employés d’une compagnie pharmaceutique arrive à l’auberge pour un séjour de repos. Sans qu’il le sache, le groupe est poursuivi par un ancien collègue, inventeur d’un sérum qui ramène les cellules mortes à la vie qui a décidé de se venger de l’entreprise qui l’aurait condamné à tort et qui lui a volé ses recherches. Après une confrontation initiale entre Keiko, le chef de sushi de l’établissement et le représentant de la compagnie, l’ex-employé confronte les résidents de l’auberge. Abattu par coups de feu, l’homme utilise un poulpe pour contaminer les sushis de l’hôtel qui se transforment immédiatement en petites créatures dotées d’intelligence et de crocs qui attaquent et tue tout sur leur passage. Keiko en ayant recours à ses talents d’arts martiaux et de cuisinière sera la seule qui est en mesure d’arrêter les sushis carnivores.

Les détracteurs du genre ne retrouveront rien dans Dead Sushi qui saura les faire changer d’idée. Si ça se trouve, ils seront davantage confirmés dans leur manque d’intérêt pour ce type de long-métrage. Il faut dire qu’en plus d’avoir une prémisse rigolote et totalement invraisemblable, le film a recours tout au long du récit à des effets spéciaux inégaux et parfois littéralement mal exécutés. Combiné à un humour japonais qui peut se révéler par moment un peu étrange et enfantin, il est normal que le spectateur se retrouve déstabilisé. Par contre, si on peut mettre nos appréhensions négatives initiales de côté et ne pas bouder son plaisir, Dead Sushi se montre être hautement divertissant et comique grâce à ses gages qui se suivent l’un après l’autre ne faisant que très peu de place à la discussion. Conscient de la nature complètement éclaté, les acteurs eux-mêmes adressent les situations impossibles dans lesquelles ils se retrouvent à la manière d’un spectateur qui regarde le film. Cette dimension est par ailleurs totalement assumée lorsqu’un personnage s’adresse à ses compagnons pour lui dire : « nous sommes au moment où ça ne fait plus du tout de sens ». On comprend rapidement que le film n’est qu’une excuse pour une succession de situations grotesques contenant très peu de développement de personnage. Le réalisateur Noboru Iguchi utilise le canevas de son histoire pour pousser l’enveloppe du ridicule avec excentricité extrêmement créative qui dans le contexte du film ne semble pas avoir de limite. À voir pour ceux et celles qui veulent avoir un bon temps sans se casser la tête.

– Benoit Mercier

Pas besoin d’être un fin observateur pour s’apercevoir que les Geeks sont à la mode depuis quelque temps. Alors que le cinéma hollywoodien nous offre année après année des films de superhéros et que des émissions telles que « The Big Bang Theory » font l’apologie de ce mode de vie qui pourrait essentiellement se résumer à, comme Simon Pegg le disait, ne jamais se la jouer cool au sujet de combien vous aimez quelque chose, certaines personnes quant à eux seraient tentées de proclamer que la « revanche des tronches » à bel et bien eu lieu. Vivons-nous maintenant dans un monde où tous et chacun sont Geek? À tout le moins juste un peu?

Bien qu’il est pratiquement aujourd’hui impossible de posséder un minimum de « culture Geek », tous ont au moins joué à Mario au Nintendo dans leur jeunesse ou utilise un téléphone intelligent sur une base régulière, il n’en reste pas moins que des aspects de celle-ci demeurent nébuleux, pour ne pas dire étrange.

Dans son film intitulé Lloyd The Conqueror, le réalisateur canadien Michael Peterson nous projette littéralement dans l’un de ces curieux passe-temps. Celui des jeux de rôle grandeur nature. On y retrouve un monde étrange avec ses propres règles et façon d’opérer. Un univers fantastique qui absorbe complètement ses joueurs qui tentent d’échapper à banalité du quotidien et qui parfois malgré eux s’y retrouvent complètement engloutit.

Lloyd (Evan Williams) est le chef d’un trio de colocataires qui fréquente l’université publique de leur ville. De nature plutôt fainéante, les trois jeunes hommes se retrouvent dans le pétrin alors qu’ils ne parviennent pas à préparer à temps l’exposé oral pour un cours essentiel pour l’obtention de leur diplôme. Sans la note de passage, Lloyd, Patrick et Oswald perdront leur aide financière aux études. Leur professeur (Mike Smith), un adepte et champion de jeux de rôle grandeur nature, leur propose alors un marché. S’ils s’enrôlent dans la prochaine compétition annuelle de GN, celui-ci leur donnera la note minimale de passage. Bien qu’ils acceptent sans toutefois connaitre cet univers, le groupe prendra goût au jeu tandis que la compétition se transformera petit par petit en une question d’honneur. Lors de leur quête, ils feront la rencontre du magicien blanc (Brian Posehn), un ancien joueur et propriétaire d’une boutique de jeux qui initiera le groupe aux mystères et règlements des GN. De son côté, Lloyd prendra son courage à deux mains en abordant la jeune entraineuse d’un dojo local pour qui il développera des sentiments.

Petit frère des «Slacker Movie», Lloyd The Conqueror ne réinvente pas le genre, mais parvient malgré tout à nous divertir et bien sûr nous faire rire. Quoique caricaturaux, à en être par moment même épuisant, ses personnages sont attachants et parviennent à nous toucher. Chaque scène devient un prétexte à se moquer des adeptes de ce type de jeux et des Geeks en général et leurs manies. Un humour qui, à moins d’être un Geek de mauvaise foi, sera bien reçu de ceux-ci. Avec de très peu de moyens Peterson parvient à demeurer inventif avec des gages qui ne se répètent pas et qui nous prennent malgré nous au détour. Les blagues employées sont par moments un peu facile, mais réussissent à ne pas tomber dans le « pipi caca », un facteur «choque» que l’on retrouve tapissé d’un bout à l’autre des longs-métrages de Kevin Smith, un autre réalisateur qui est un habitué de ce genre de films.

Brian Posehn est hilarant dans le rôle du personnage du vieux magicien qui tente de guider ses nouvelles recrues. On comprend que pour lui les grandeurs nature sont plus qu’un simple passe-temps, mais un style de vie qu’il prend terriblement au sérieux, ce qui entraine plusieurs malentendus et malaises. Mike Smith quant à lui est convaincant dans le rôle du «méchant» et champion invaincu des GN. Bien que terriblement cruel et malicieux, il s’entoure, comme les vilains des dessins animés, de sbires empotés qui le vénèrent tel un roi. On souhaiterait par contre que les scènes de combats soient un peu plus élaborées et créatives. Elles se concluent malheureusement très rapidement et semblent avoir été un peu trop improvisées, ce qui est dommage puisque le combat est au cœur de tout bon jeu de rôle grandeur nature. C’est d’ailleurs dans celles-ci que l’on retrouve le plus d’erreurs techniques. Des plans contre jour, un éclairage peu adéquat et des mises au foyer mal exécutées parsèment une photo qui est sinon bien réussie.

Un bon petit film canadien qui donne une visibilité et une voix à l’un peu connut des non-initiés.

– Benoit Mercier